Visite virtuelle du Musée Van Gogh


Que serait la vie si nous n'avions pas le courage de tenter quoi que ce soit ?
– Vincent van Gogh, 1881


Bienvenue dans notre visite virtuelle du Musée Van Gogh ! Dans cet article, on vous explique toute l'inspiration derrière notre nouvelle collection de coques, et on vous emmène découvrir une petite partie du monde et le parcours artistique de Vincent van Gogh.

Avec cette collection RhinoShield x Van Gogh Museum, nous voulons vous encourager à toujours avoir, comme Van Gogh, « le courage de tout tenter ». Et pour transmettre ce message, nous avons choisi plusieurs œuvres, aux styles bien distincts, pour représenter plusieurs moments clés de sa carrière.

Grâce à cette collection, nous pouvons observer le développement de son style emblématique, construit à la suite de nombreux essais et expérimentations avec différentes techniques.

La vie de Vincent van Gogh

Vincent van Gogh (1853-1890) est considéré comme l'un des plus grands artistes néerlandais de tous les temps. En tant qu'artiste, il n'a été actif que pendant dix ans : de 1880 jusqu'à sa mort en 1890.

Passionné, Van Gogh a produit une vaste collection d'œuvres au cours de ces années : environ 850 peintures et plus de 1300 dessins ont été préservés, auxquels s'ajoutent un grand nombre d'aquarelles, de lithographies et de croquis qu'on retrouve dans ses lettres.
Tout au long de sa vie, Van Gogh a écrit des centaines de lettres à son frère Théo, à d'autres membres de sa famille et à ses amis. Pour lui, ces lettres étaient un moyen de communiquer et d'exprimer ses sentiments. Ces lettres nous ont permis d'en apprendre beaucoup sur la vie de Van Gogh, sur son passé et sur tout ce qu'il a pu lire, voir et penser. D’une certaine manière, ces lettres constituent son « autobiographie » non officielle.

En tant que peintre, il était en grande partie autodidacte. C'est avec l'aide de manuels, de quelques leçons aux académies des beaux-arts de Bruxelles et d'Anvers, de visites de musées et de conseils d'amis artistes qu'il s'est lui-même enseigné la peinture. Sa découverte des mouvements artistiques modernes français l'encouragea à expérimenter. Et au fil des années, il développa son propre style de peinture très distinctif, marqué par des coups de pinceau expressifs et des couleurs vives. Son style continue d'inspirer et d'influencer de nombreuses générations d'artistes.

Après la mort de Van Gogh, ses oeuvres ont suscité un grand intérêt, tout autant que sa vie tragique : ses amours malheureux, son manque de notoriété avant sa mort, sa maladie et son suicide.

Un artiste aux multiples facettes

Dans cette collection, vous retrouverez des portraits aux côtés de ses œuvres principales afin de souligner les différents styles de sa carrière artistique. Van Gogh a toujours pensé que les peintures pouvaient exprimer l'émotion et qu'elles n'étaient pas qu'une imitation de la réalité.

« On dit, et je le crois volontiers, qu'il est difficile de se connaître soi-même. Mais il n'est pas non plus aisé de se peindre soi-même. » - Vincent Van Gogh, 1889

Autoportrait au chapeau de feutre gris

Déjà à Paris depuis presque 2 ans, Van Gogh a peint cet autoportrait pendant l'hiver de 1887 à 1988. Cette œuvre nous montre clairement qu'il avait étudié la technique du pointillisme tout en l'appliquant à sa façon de manière originale. Pour réaliser cette peinture, il plaça de courts traits de pinceau dans différentes directions. Là où ces traits suivent le contour de sa tête, on peut voir qu'ils forment une sorte de halo. Ce tableau est également l'une des expériences de couleurs les plus audacieuses de Van Gogh durant son temps à Paris. Il plaça des couleurs complémentaires les unes à côté des autres en utilisant de grands coups de pinceau : bleu et orange pour l'arrière-plan, rouge et vert pour la barbe et les yeux ce qui permet aux couleurs de s'intensifier mutuellement. Aujourd'hui, le pigment rouge s'est légèrement estompé rendant les touches violettes bleues et le contraste avec le jaune moins fort.

Japonaiserie : l'Oiran

Pour ce tableau, Van Gogh s'est inspiré d'une gravure sur bois de l'artiste japonais Keisai Eisen, reproduite sur la couverture du magazine « Paris illustré » en 1886. Van Gogh a utilisé une technique pour reproduire et agrandir la figure japonaise, tout en utilisant des couleurs vives et des contours audacieux, comme s'il s'agissait d'une gravure sur bois. On peut remarquer que la femme représentée sur cette oeuvre est une courtisane avec sa coiffure et la ceinture (obi) qu'elle porte : celle-ci est attachée à l'avant de son kimono au lieu de l'arrière. Van Gogh a choisi d'encadrer cette femme dans un étang rempli de nénuphars, de tiges de bambou, de grues et de grenouilles. Cette scène est en fait un message caché : les grues et les grenouilles étaient des mots utilisés dans l'argot français pour désigner une prostituée.

Crâne de squelette fumant une cigarette


Ce crâne de squelette avec une cigarette allumée dans la bouche est une blague de jeunesse. Van Gogh l'a peint début 1886, alors qu'il étudiait encore à l'académie des beaux-arts d'Anvers. Cette peinture montre qu'il maîtrisait bien l'anatomie. Dessiner des squelettes était un exercice courant à l'académie, mais les peindre ne faisait pas partie du programme. Il a probablement réalisé ce tableau à un autre moment, entre ou après ses cours.

Crâne

Un crâne est plus souvent représenté en monochrome, mais Van Gogh a décidé d'utiliser plusieurs couleurs pour peindre le sien. Est-il possible de rendre une peinture plus réelle de cette manière ? C'est en tout cas la question que semble s'être posé Van Gogh quand il a réalisé son œuvre en couleur. Et c'est en passant des coups de peinture blanche en zigzag qu'il est arrivé à représenter la surface brillante du crâne.

Japonaiserie : pont sous la pluie

Van Gogh admirait beaucoup les gravures sur bois japonaises pour leurs couleurs vives et leurs compositions assez particulières. Il s'est inspiré d'une gravure du célèbre artiste Utagawa Hiroshige pour réaliser sa peinture d'un pont sous la pluie. Ici, Van Gogh a rendu les couleurs plus intenses que sur l'original et a peint cette œuvre sur une toile de taille standard. Voulant conserver les proportions de l'estampe originale, il a laissé une bordure qu'il a rempli de caractères japonais copiés sur le modèle d'autres estampes.

Pêcher en fleur

Le thème de la nature, et plus précisément des vergers en fleurs, a été un sujet que Van Gogh a abordé à plusieurs reprises dans ses oeuvres, lors de sa résidence à Arles (sud de la France). Il existe une version antérieure, presque identique au « Pêcher en fleur », que Van Gogh avait achevé en une seule séance. « J'avais travaillé une toile de 20 en plein air dans un verger, un terrain lilas labouré, une clôture en roseaux, deux pêchers roses contre un ciel glorieux bleu et blanc. Probablement le meilleur paysage que j'aie fait. », écrit-il. De retour chez lui, il voit l'avis de décès de son oncle par alliance, Anton Mauve (1838-1888). Mauve était un peintre bien connu dont Van Gogh avait autrefois pris des leçons. Il a dédié cette première version à Mauve et a fait une nouvelle version plus tard pour l'envoyer à son frère Théo.

Les Tournesols

La série de peintures « Les Tournesols » est l'une des séries les plus célèbres de Van Gogh. Peintes à Arles, dans le sud de la France, en 1888 et 1889. Van Gogh a peint au total cinq grandes toiles de bouquets de tournesols dans des vases, avec trois tons de jaune différents. Il a ainsi démontré qu'il était possible de créer une œuvre avec des variations d'une même couleur, sans aucune perte d'élégance. Il a accroché les deux dernières toiles dans la chambre de Paul Gauguin, qui était venu s’installer quelque temps avec lui dans la Maison Jaune. Gauguin a été impressionné par les tournesols, qu'il pensait être « une page parfaite d’un style essentiellement Vincent ». Van Gogh avait peint des copies des originaux qui étaient dans la chambre de Paul Gauguin afin de lui en faire cadeau. Cependant, il a produit plus tard deux autres copies qu’il appelle les répétitions, dont l'une est maintenant au Musée Van Gogh.

Amandier en fleurs

De grandes branches fleuries sur un ciel bleu était l'un des sujets préférés de Van Gogh. Les amandiers fleurissent tôt au printemps, ce qui en fait le symbole parfait d'une renaissance. Pour réaliser les contours gras et le positionnement de l'arbre dans le plan de l'image, Van Gogh s'est inspiré des gravures japonaises. Le tableau était un cadeau pour son frère Théo et sa belle-sœur Jo, qui venait d'avoir un petit garçon, Vincent Willem. Dans la lettre annonçant la bonne nouvelle, Théo écrivait : « Comme nous vous l'avons dit, nous lui donnerons votre nom, et je fais le vœu qu'il soit aussi déterminé et aussi courageux que vous ». Sans surprise, c’est la toile la plus chère aux yeux de la famille Van Gogh. Vincent Willem a ensuite fondé le Musée Van Gogh.

Iris

Van Gogh a peint cette nature morte à l'hôpital psychiatrique de Saint-Rémy. Pour lui, la peinture était principalement une étude des couleurs. En plaçant les fleurs violettes sur un fond jaune, il voulait obtenir un fort contraste de couleurs et faire ressortir encore plus les formes décoratives. Les iris étaient à l'origine violettes, mais le pigment rouge s'est estompé avec le temps pour devenir bleu. Van Gogh a fait deux tableaux de ce bouquet : dans l'autre nature morte, il a contrasté le violet et le rose avec le vert.

Champ de blé aux corbeaux

Champ de blé aux corbeaux est l'un des tableaux les plus célèbres de Van Gogh. On prétend souvent qu'il s'agit de sa toute dernière œuvre. Le ciel menaçant, les corbeaux et le chemin sans issue feraient référence à la fin de sa vie qui approche. Même si ce mythe persiste encore aujourd'hui, on sait qu'il a réalisé plusieurs autres œuvres après celle-ci. Van Gogh voulait que ses champs de blé soient représentés sous un ciel orageux afin d’exprimer « la tristesse et l'extrême solitude », mais il voulait également montrer ce qu'il considérait comme « sain et fortifiant dans la campagne ». Van Gogh a utilisé de fort contraste de couleurs dans ce tableau : le bleu du ciel s’oppose avec le blé jaune-orangé, tandis que le rouge du chemin est intensifié par les bandes vertes de l'herbe.

Inspirer les prochaines générations

C'est un honneur pour nous d'avoir l'opportunité de contribuer à rendre les œuvres de Van Gogh plus accessibles, de la manière que nous connaissons le mieux : une coque solide avec une impression de haute qualité, et disponible au creux de votre main. Comme Vincent Van Gogh, nous espérons que cette collection vous incitera à apprendre de nouvelles choses, à découvrir un nouveau passe-temps et à garder à l'esprit qu’il n'y a pas d'échec, seulement des leçons.

Apprends-en plus sur la vie de Van Gogh et ses œuvres sur le site officiel du Musée Van Gogh.

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