Collection RHINOSHIED x The Met : un bout d'art en poche, partout avec vous !

Le Met présente plus de 5 000 ans d’art venu du monde entier, à découvrir et à apprécier par toutes et tous. Depuis sa fondation en 1870, le Met s’est toujours voulu plus qu’un simple écrin de chefs-d’œuvre rares et précieux. Chaque jour, l’art prend vie dans ses galeries, expositions et événements, révélant de nouvelles idées et des liens inattendus à travers le temps et les cultures.

Clara Peeters est une figure fondatrice de l’histoire de la nature morte européenne. Les femmes ayant alors rarement l’occasion d’étudier le modèle nu, ce genre attira de nombreuses artistes. Dans cette composition ambitieuse, Un bouquet de fleurs, Peeters restitue avec finesse des gouttes de rosée, des piqûres d’insectes et des tulipes qui s’affaissent, autant d’allusions à la fugacité de la vie et au déclin. Elle affirme aussi sa propre réussite en gravant sa signature sur le rebord de pierre, à côté d’un brin de myosotis tombé. Les contours nets et l’observation aiguë de son œuvre révèlent le lien étroit entre peinture florale et illustration botanique à l’époque de la révolution scientifique.

Déposé en 1883 et imprimé vers 1917–1923, Le Voleur de fraises compte parmi les créations les plus emblématiques de William Morris. Ce textile kaléidoscopique de la collection du Met s’inspire de sa maison de campagne, Kelmscott Manor, où une bande de grives chapardeuses venait picorer les fraises de son jardin.

William Morris a conçu 41 papiers peints muraux et cinq papiers pour plafonds, en collaboration avec Morris, Marshall, Faulkner, and Company à partir de 1862, puis avec Morris & Company à partir de 1875. Produit pour la première fois en 1872, Jasmin associe trois nuances de vert rehaussées de jaune et de brun. Feuilles, fleurs et branches d’aubépine se déploient le long d’une ligne sinueuse verticale dissimulée, agrémentée de volutes de jasmin.

William Morris a conçu 41 papiers peints muraux et cinq papiers pour plafonds en collaboration avec Morris, Marshall, Faulkner, and Company à partir de 1862, puis avec Morris & Company à partir de 1875. Conservé au Met, Branche de saule est un papier peint imprimé à la planche en 1887 : ses feuilles de saule vertes et ses tiges brunes s’entrelacent sur un fond crème. C’est l’un de ses motifs les plus intemporels.

Ce ciel étoilé empreint de poésie a été peint par Henri-Edmond Cross vers 1905–1908. Il associe les longues touches discontinues de ses dernières œuvres à un paysage brumeux tracé à la plume et à l’encre, dont les formes impressionnistes évoquent la peinture japonaise.

Conservée au Met, Matinée sur la Seine près de Giverny de Monet appartient à la série intitulée Matinées sur la Seine. Après avoir patiemment repéré ses points de vue le long du fleuve, Monet peignait depuis une barque transformée en atelier flottant. Il se levait avant l’aube pour saisir les variations de la lumière au lever du soleil, puis alignait ses toiles sur des chevalets dans son atelier afin de les achever ensemble, sous forme de série.

En 1893, le peintre et jardinier passionné Claude Monet acquiert un terrain bordé d'un étang près de sa maison de Giverny. Pour en faire un lieu « pour le plaisir des yeux et aussi dans un but de motifs à peindre », il y aménage son célèbre jardin d'eau. Conservé au Met, Nymphéas compte parmi les œuvres tardives du maître impressionniste. Un critique décrivait alors ces nymphéas « en pleine floraison… leurs disques dorés enchâssés de violet, sur les eaux nuageuses ».

Dans cette estampe réalisée en 1857 par Utagawa Hiroshige, un chat est assis près de la fenêtre à claire-voie d’une maison close, située près du quartier des plaisirs de Shin-Yoshiwara, dans l’est d’Edo (l’actuelle Tokyo). Le mont Fuji domine l’horizon tandis que la foule se dirige vers le sanctuaire Washi Daimyōjin (Ōtori) pour participer au festival Torinomachi, célébré lors des jours du Coq du onzième mois du calendrier lunaire. En bas à gauche se trouvent des épingles à cheveux en forme de râteau (kumade), sans doute de petits présents achetés au festival par un client pour une courtisane. Avant l’époque moderne, le Yoshiwara était ouvert à tous pendant le festival Torinomachi, marquant les jours les plus animés du quartier.

Dans la tradition japonaise de la peinture de paysage, un disque rouge vif représente le soleil levant, en particulier celui du Nouvel An. Un rouleau vertical comme ce Soleil levant de Shibata Zeshin, conservé au Met, convenait parfaitement à l’alcôve d’exposition (tokonoma) au printemps. Zeshin a d'ailleurs réalisé plusieurs compositions sur ce thème.

Cette estampe sereine, réalisée vers 1830–1832, appartient à la célèbre série Trente-six vues du mont Fuji de Katsushika Hokusai. Grâce à la technique aizuri, qui joue sur différentes nuances de bleu, Hokusai réunit collines ondulantes, nuages légers et eaux paisibles en une image d’une grande tranquillité. Dépourvue de toute présence humaine, l’œuvre révèle la beauté intemporelle des paysages japonais qui entourent le mont Fuji.

Les origines de la céramique bleu et blanc au Vietnam restent obscures ; on les associe toutefois souvent à la brève occupation chinoise du début du XVᵉ siècle. Le décor de pivoines au centre de ce plat vietnamien du XVᵉ siècle, ainsi que la manière dont elles sont peintes, témoignent d’une connaissance fine des traditions chinoises antérieures. Les potiers vietnamiens, qui ont perpétué les styles chinois du XIVᵉ au XVIᵉ siècle, rivalisaient souvent avec les fours de Jingdezhen pour conquérir les marchés d'Asie du Sud-Est.

La porcelaine blanche peinte au bleu de cobalt, style qui s’épanouit en Chine dès le XIVᵉ siècle, constitue sans doute l’évolution la plus importante de l’histoire de la céramique. Ce plat chinois conservé au Met est orné en son centre d’un dragon parmi les vagues et porte la marque de l’ère Xuande (1426–1435) de la dynastie Ming (1368–1644).

Cross a peint ce paysage dans le style néo-impressionniste, qui s’est épanoui principalement en France entre 1886 et 1906. Il applique des touches individuelles de couleur dans des scènes baignées de lumière. Sa pratique évoluant vers l’aquarelle, ses coups de pinceau se sont relâchés et sa palette est devenue plus douce.

Cette composition spectaculaire est devenue une icône de l’art mondial. Hokusai joue habilement avec la perspective pour faire apparaître le plus haut sommet du Japon comme une petite montagne triangulaire nichée dans le creux d’une vague géante. Il s’est rendu célèbre par ses paysages, réalisés à partir d’indigo et de bleu de Prusse importé.

L’un des plus grands paysagistes du Japon, Hiroshige a conçu deux séries extrêmement populaires, dont Cent vues célèbres d’Edo, à laquelle cette œuvre appartient.

Sous les dynasties Ming et Qing en Chine, les fonctionnaires portaient des insignes brodés cousus à l’avant de leur robe. Les oiseaux symbolisaient les grades civils, tandis que les animaux représentaient les grades militaires : chaque espèce correspondant à un rang précis. Symbole d’autorité et de bravoure, le tigre ornait l’insigne d’un commandant supérieur sous les Ming et d’un vice-commandant de régiment sous les Qing.

Ce dragon dynamique (long) se déploie sur un fond doré. Le fil brun-vert de son corps et de sa tête est composé de plumes de paon.

Des formes occidentales furent commandées par la Compagnie néerlandaise des Indes orientales. Les artisans japonais recevaient des modèles en bois, des objets européens ou des dessins à reproduire. Ici, le style japonais kakiemon est utilisé avec brio sur une forme occidentale.

Au début des années 1890, le gouvernement français commande à Renoir un tableau pour le futur musée du Luxembourg, dédié aux artistes vivants. Il choisit pour sujet deux jeunes filles jouant du piano. Conscient de l’importance du projet, Renoir y consacre un soin exceptionnel, peaufinant la composition à travers cinq toiles préparatoires.

Degas peint cette scène ambitieuse en 1874. Elle montre 24 femmes : ballerines et mères, observant une danseuse effectuer une attitude, examinée par le maître de ballet Jules Perrot. Degas a préparé ce tableau par d’innombrables croquis réalisés dans son atelier avec des modèles.

Durant sa convalescence à l’asile de Saint-Rémy, Van Gogh se passionne pour les cyprès. Ce tableau exubérant est l’un de ses plus dynamiques mettant en scène ces arbres majestueux. L’artiste, habituellement très critique envers lui-même, considérait cette œuvre comme l’un de ses meilleurs paysages d’été.

Cette célèbre nature morte, autrefois dans la collection privée de Claude Monet, est considérée comme l’une des plus grandes réussites de Cézanne dans les années 1890. Il est rare que Cézanne peigne des plantes fleuries, souvent trop fragiles pour sa technique minutieuse.

Cette œuvre est un exemple précoce du style géométrique que Mondrian nomme néo-plasticisme. Pour lui, ce style universel repose sur des relations de plans qui peuvent s’étendre au design et à l’architecture.

Voici l’étude finale de Seurat pour sa peinture monumentale de Parisiens en promenade sur une île de la Seine. Ici, les pigments contrastés sont appliqués par petites touches irrégulières, alors que dans la version finale présentée en 1886, Seurat utilise des points plus serrés, une technique baptisée pointillisme. Lui-même préférait le terme divisionnisme, reposant sur la juxtaposition de touches de couleurs pures.

Monet, passionné de jardinage, a patiemment créé le jardin aux nymphéas de Giverny, thème central d’œuvres telles que ce Pont japonais (1899). Ce tableau évocateur est l’un d’une série d’une douzaine représentant la passerelle en bois vue durant l’été 1899.

Monet passe l’été 1867 avec sa famille à Sainte-Adresse, près du Havre. Il y peint cette scène lumineuse de loisir moderne, mettant en scène son père (au chapeau panama) et d’autres proches. En adoptant un point de vue élevé et en juxtaposant terrasse, mer et ciel en trois bandes de couleur, Monet affirme la planéité de la toile, une audace influencée par les estampes japonaises.

Le logotype du Met est un dessin original mêlant empattements classiques et lignes modernes. Fluide, lyrique et distinctif comme une signature manuscrite, ce symbole élégant reflète les 5 000 ans de culture mondiale présentés par le Met, en regardant à la fois vers le passé et vers l’avenir.